Reona Ueda / Interview With Reona Ueda
"1.7" Reona Ueda. Studio Newwork, 2005-7 (c)reona ueda. studio newwork
www.renewwork.com

URL : www.reona.org
interviewed by Arata Sasaki

translated by Reona Ueda
special thanks : Marian Faux. Marta Pachucka


Hitspaper：まず上田さんについて教えてください。日本で手に入いる情報があまりにも少ないもので...
Reona Ueda：そうですか(笑) ニューヨークから戻ってきて、まだ１ヶ月しか経ってませんし、活動の中心もずっとニューヨークでした。向こうに行ったのが9.11の数ヶ月後だったので、７年くらいになるのかな。僕の肩書きは、ファインアートの分野で活動しているアーティストです。

Hitspaper：Could you tell us about yourself first? We found very little information about you in Japan...
Reona Ueda：I see (laughs). It has only been a month since I came back from New York, where I was based for quite a while. I moved there a few months after 9.11, so I guess it has been seven years. I am a fine artist.




Hitspaper：なぜ活動の拠点がニューヨークだったのでしょうか？
Reona Ueda：高校を卒業して、しばらくは地元の熊本にいました。当時は日本国内の美大でグラフィックデザインの勉強をしようと、美術の予備校に通いながらアート作品のような物を作っていました。当時はアーティストになろうなどとは全く考えていなかったですね。ただ小さい頃からよく父親に美術館に連れて行ってもらったり、熊本という土地で育ったにしては、アートへの多少の接点は与えてもらったと言えるかも知れません。現代アートと出会ったのは高校を卒業したくらいの時、YBA(Young British Artists)を集めた展覧会を福岡で偶然目にしたのが最初だと思います。｢全く理解出来ないけどなんだか凄い｣というのが正直な感想でした。そこで見たAnya Gallaccioなどは今でも好きなアーティストの１人です。今考えると、それらのことが今やっている事に少しは繋がっているかなと思います。ニューヨークでアートを勉強しようと思ったのは、アートならグラフィックデザインよりも自由なことが出来るかもしれない、そしてやるからにはその中心に行ってみようと、非常に単純な発想ですがそのまま行ってしまった感じですね。

Hitspaper：Why were you based in New York?
Reona Ueda：After finishing high school, I stayed in my home city Kumamoto for a while. I attended preparatory art classes there because I was planning to go to art school in Japan to study graphic design. While I was attending the classes, I was also making artwork-like objects even though I never dreamed of becoming an artist at the time. However, my father often took me to art museums when I was a child, so, in that respect, it was fortunate that I had this chance to get in touch with art, which was not too common in Kumamoto. I think my first contact with contemporary art was during an exhibition of YBA(Young British Artists) that I saw in Fukuoka by coincidence. To be honest my overall impression was "completely incomprehensible but unexpectedly mind-blowing". One of the artists in the show, Anya Gallaccio is still one of my favorite artists. Looking back, these experiences might have somehow led me to what I do now. I chose to study fine art in New York because I thought that art might allow me to do something less restrictive than graphic design and that I should go to the very center of art world - it was a simple thought, but I just went ahead.



Hitspaper：NEWWORK Magazineに作品を掲載されていますが、この雑誌について教えて戴けますか？
Reona Ueda：NEWWORK Magazineは、Studio Newworkというニューヨークのグラフィックデザインスタジオが年２回出版している雑誌です。彼らとの関係は僕のプロジェクト｢Global Identity｣の一部にもなっている｢1.7｣というアートマルチプルを共同で制作した事が始まりです。現在｢1.7｣はTate Modernのミュージアムショップなどで販売されています。その作品をStudio Newworkのポートフォリオの一部としてVol.1に掲載してもらい、Vol.2では僕自身のプロジェクトのショーケースを12ページ使ってやらせてもらいました。

Hitspaper：We saw your works in NEWWORK Magazine. Could you tell us something more about the magazine?
Reona Ueda：NEWWORK Magazine is published biannually by a New York-based graphic design studio called Studio Newwork. Our cooperation began when we produced an art multiple entitled "1.7", which is also part of my art project "Global Identity". "1.7" is currently available at places such as the museum shop at Tate Modern. This piece was featured as a part of Studio Newwork's portfolio in the first issue of the magazine, and my own project was showcased on twelve pages of the second issue.



(c)reona ueda



Hitspaper：上田さんのウェブサイトを拝見させていただいたのですが、そこで紹介されているプロジェクトのコンセプトを教えて戴けますか？
Reona Ueda：一目見ただけでは分かり難いと思いますが、ただ単に色んな人達の作品を載せているのではなく、アーティスト/非アーティストを含めた様々な背景を持った人々の制作物をファインアートの文脈に落とし込む、つまりファインアートに文脈化/変換するためのプラットフォーム/装置を提供し、それ自体を僕のアート作品と呼んでいるんです。プラットフォーム上へ色んな人達を招集し、彼らの制作物を媒介としてお互いを繋げていくのですが、その際発生する対話やプロセスなども作品の一部として発表します。ある人が作った作品を別の参加者が解釈し、それを切っ掛けにして新たな作品を制作してもらう。それらの行程を繰り返すことで、結果として全てが直接的なり間接的なり繋がりを持つようになる、というのが基本的な考え方。出来上がった一つ一つの作品にはタイトルとして番号が振られます。プラットフォームが多様な表現の結びつきを包括し、その全てを纏めたものが｢Global Identity｣という作品だという事です。ここで１つ重要なのは、普段アーティストとは呼ばれない人達の制作物をファインアート化するというプラットフォームの機能的な部分です。要はMarcel Duchamp以降の非アートをアートに文脈化するというやり方ですが、どんな人でも参加できるので、デザイナーでも、お医者さんでも、お豆腐屋さんでも、ファインアートの枠内に招き入れてあげる事が出来るわけです。

僕は人々の関係性を作品としているわけですが、そうする事でメディアやジャンル/カテゴリーなどに拘束されず様々な社会事象を取り扱えるし、その行為自体を｢価値あるもの｣として提示出来る。別の言い方をすれば僕は人間関係とそれを取り巻く社会のシミュレーションを可能にする枠組みを作っているとも言えます。そういった予測が不可能なシミュレーション的側面は、ハプニング以降のパフォーマンスアートの流れとしても理解出来ますね。｢Global Identity｣という題名には、グローバル化する世界の中でのアイデンティティ、グローバルな視点で個人のアイデンティティをidentify(識別)する、などの意味があります。開始したのは2002年なのですが、現在までに有名無名を問わず百数十人が参加してくれました。全く対極とも思えるような人同士の対話を可能とする、このプロジェクトではそういったジャンルを軽々と飛び越えるような事が、ファインアートの文脈から逸れる事無く出来るので、そこは凄いし面白いと思います。

ただたまに、これがインターネットのプロジェクトだと勘違いされてしまうことがあるんです。僕自身ウェブサイトは便利なので利用していますが、これは発表する媒体を限定するものではありません。究極的にはプロジェクトの本体はアイディアそのものですから。又、作品群の間にあるプロセス自体が最も重要な点の１つですから、これからは参加者同士の対話もきちんと記録して、どのようなコミュニケーションが実際に計られたかも具体的に見せていければと考えています。

Hitspaper：Could you explain the concepts behind the project that you are showing at your website?
Reona Ueda：I know it is difficult to grasp the whole idea at first sight. Although it might look like I am simply showing the work of different people, I am doing more. I provide a platform/mechanism for artists and non-artists from various backgrounds to contextualize and convert their works into fine art, and call this practice my artwork. I invite people over to the platform, and connect them through productions of their artworks. I also present the communication during the creative processes as part of the artwork. One participant interprets a piece made by another, and uses it as a starting point to produce a new piece of work. By continuing this procedure, all pieces will be connected, directly or indirectly, which is the basic idea. The finished pieces are numbered for convenience of classification. The platform and its contents, including connections between multiple styles of expression, create this artwork I call "Global Identity". The function of the platform plays an important role by converting works of people who would not be called artists into fine art. This approach, to contextualize non-art in fine art, was used by Marcel Duchamp and many of his followers. Because here anyone can participate, it welcomes designers, as well as doctors, or tofu sellers, to the realm of fine art.

I present relationships between people as a form of art. This format also allows us to explore different social issues without being limited to any one medium, genre and category. I see this as something we all can share. In other words I am making a framework that enables us to simulate human relationships and the societies that surround them. This unpredictable, simulation aspect can also be viewed as a type of happening in performance art genre. The title of the project "Global Identity" has multiple meanings - one's identity in a globalized world, what globalization does to one's identity, and how one identifies oneself from a global perspective. Since I initiated it in 2002, nearly a hundred and fifty people have participated. This project makes it possible to easily cross genres without being out of the context of fine art, giving many people, including those who often seem on opposite sides of the spectrum, a unique opportunity to have a dialogue, an idea which is amazing and fascinating.

Some people confuse this with an internet-based project. I only use my website because it is convenient. Ultimately the project is the idea itself. Also because the creative processes themselves are significant, I am planning to record the communication that occurs between participants, and show what kind of communication has actually been taken.



"23" Ann Kristin, Andrea & Erlend Skeid. Reona Ueda, 2004 (c)ann kristin, andrea & erlend skeid. reona ueda



Hitspaper：一体どうしてこのような作品を作ろうと思ったのでしょうか？
Reona Ueda：そうですね。それは僕が思う現代アートの問題点に起因しています。近代以前人々は、宗教性、コミュニティー性、又伝統性のようなある程度の規模の共通項を持っていました。世界観や幸せのイメージなどを共有出来ていたんですね。例えば宗教美術におけるアーティストの立ち位置は、既に与えられた世界の謎への回答、つまり宗教的な世界の理解方法とそのアイディアを、ビジュアルに落とし込み世に伝える媒介者であったわけです。しかし、近代化が進み西洋型資本主義や個人主義的価値観が浸透すると、人々はそれらの｢真実｣を自らの手で見付けなければならなくなりました。そしてモダンアートでは、個人の世界観/信じている事をそれまでとは逆に世界に発信することが主流になったんです。このような状況下で個人作品を公共の美術館に置くと、どうしても制作者と観覧者との間には隔たりが出来てしまう事が多い。

近年これと似たような傾向は他の分野にも見られるようです。グラフィックデザインなどは元来、マスにアイディアを伝えるための補助的な役割を持っていたのだと思いますが、マーケットの細分化により手段となるコミュニケーションも自然と多様になっていきました。グラフィックデザイナーが個人表現的な事をしても格段違和感が感じられなくなったのも、そのような社会の変化が影響しているのではないかと思います。

もちろんアート業界は個人表現がよしとされている世界です。自分が信じている物事を歴史と相対的に結びつけて世界に発信するんですから。個人のアーティストが自らの独創的な世界観を提示し、観覧者は「理解を超えた何か」を享受する、という際どい関係性はモダンアートの醍醐味でさえあるのかもしれません。アートはそういった宗教的な部分を未だに持っていると思いますからね。僕自身が感じてきたアートの魅力の1つもそこにあるんだと思います。さっき言った｢全く理解出来ないけどなんだか凄い｣という感覚もそれですよね。

ただ似たような問題は批評家や評論家が現代アート作品の価値判断をする時にも出てきてしまうと思うんです。人の数くらい多数の文脈が存在するのだから、一定の評価基準など存在しないし、彼ら自身どの作品が｢優れている｣のか判断に困窮している状況なんでしょう。もちろん価値判断の要因には市場性が絡んできますから、さらに複雑なのでしょうけど。ただプロの人たちがそうなんだから、観衆が困惑してしまうのは当然といえば当然ですよね。そこで僕は１人のアーティストとして、自分自身が信じているものをただただ個人的に作り続けることに疑問を感じてしまったんです。戦後のアート界ではコミュニティやコレクティブなど小規模の共同体を作ってきた集団や、アートと社会との接点を模索してきたアーティスト達も多いですよね。そのようなタイプのアーティストの姿勢には共感を覚える。ただ小さなアートコミュニティなどは自己完結してしまう危険性も高いと思った。そんな中、みんなが関わりを持てることとは果たして何だろうかと考えた末、｢多様性の包括自体を作品とする｣というオルタナティブなアイディアに辿り着いたわけです。

Hitspaper：Why did you think of creating a work like this?
Reona Ueda：Well, because I think there is a problem in contemporary art. In pre-modern times, people used to have a certain amount of common denominators such as religion, community, and tradition that helped them share their understandings of the world and the images of happiness. For example in sacred art, artists are mediators who visualize and pass on the already existing answers to riddles of life, religious interpretations and ideas of the world. As modernization accelerated and Western capitalism and individualism spread, people have had to find out these "truths" by themselves. Meanwhile, in modern art, it has become common to present personal beliefs and one's own world-views to the world. In this situation, personal artworks in public spaces like museums often create gaps between the authors and the audiences rather than creating a bond as I believe art used to do.

There seems to be a similar trend in other industries. Graphic design, for example, originally played an auxiliary role to effectively transmit ideas to masses, but due to the increasingly segmented markets, this medium has also become demassified. Because of the social changes we do not object to graphic designers expressing a very personal view that reaches these segmented markets.

Of course, self-expression is valued in the art world. Artists use their personal beliefs to make their art and contextualize the beliefs in history. Every artist is proposing her or his own way of understanding the world, and the audiences may even enjoy something beyond their comprehension. This tricky relationship may be the real thrill of modern art. I think art still has this mystical aspect. As I said earlier, "completely incomprehensible but kind of mind-blowing" art is what drew me to art.

However, a similar problem occurs when critics evaluate contemporary artworks. There are no fixed criteria because there are any number of contexts, as many, in fact, as the number of people. Critics today have to struggle to figure out which works are "great". Not to mention the market aspects also take part in establishing the value of artworks, which makes the evaluation processes even more complex. So it is natural that the audiences are just as confused as the specialists. And so as an artist I began to have doubts about continuing to make just what I myself believe in. In the post-war art world, there have been many artists who formed small-scale communities and collectives, and those who sought other ways of finding common grounds between art and society. I respect their efforts. But I thought a small art community can eventually become introverted. By thinking what everyone could possibly relate to, I eventually got the idea for the Global Identity platform. It is an alternative idea: the inclusion of multiplicity into the platform as artwork.



"1.1" Reona Ueda, 2004 (c)reona ueda



Hitspaper：プロジェクトに作品を提供している方々も、そのプラットフォームのコンセプトを理解した上で参加しているのでしょうか？
Reona Ueda：基本となるコンセプト自体はシンプルなので皆さん理解出来ると思うんですが、全員に全てを理解してもらった上で参加をお願いするかどうか、実際判断は難しいところです。困惑してしまう人もいるでしょうし。もちろん基本的なアイディアは皆に説明しますけど、込み入った部分については今のところ個別に判断しています。実はこのプロジェクトの初期の段階は、僕ともう１人の対話という非常にパーソナルなものでした。それから徐々に参加者の数を増やしながら展開して辿り着いたのが現在のかたちです。開始した当時はまだ22歳でしたし、今思えば僕自身が社会の中における自分を認識するため、徐々に視野を広げて行くプロセスであったのかも知れないと思います。そういう意味では非常に個人的なプロジェクトであるとも言えますね。ただ現在僕が重要視している論点、多様化する社会の中で個々がそれぞれ特に価値を置いている部分を代弁するアート作品をさらし合い、それを媒介として対話を繰り返し、何が共通項と成り得るかを探るということ、その行為自体は多くの人々が共感出来るのではないかと思うんです。

Hitspaper：Do people grasp the concept of the platform before they take part in the project?
Reona Ueda：Yes, they do, because the basic concept is simple. But it is not always so easy to decide how much I should tell people prior to their participation. Some people would only be confused. Of course, I explain the basic ideas, but the depth to which I explain it, I decide on an individual basis. To tell the truth, in the beginning it was a very personal project between me and another person. Then I started to develop it by inviting more people, and it has grown to the size and format that you see now. I was only 22 when I started it, so in retrospect the development might represent how I widened my perspective to recognize my place in the society. In that respect, I could say this is still a very personal project. However, what I am currently focusing on - showing artworks that represent what individuals especially value to others in an ever-diversifying society; continuing dialogues triggered by the works; searching for our common denominators - all these are actions that I think many people can relate to.



"11.1" Reona Ueda, 2006 (c)reona ueda



Hitspaper：コミュニケーションのプロセス自体がアートになる、これは良い視点だと思います。ところで上田さんは人とのコミュニケーションは好きですか？
Reona Ueda：良い質問ですね。難しいですが...｢大好き｣ということにしておきましょうか(笑) いや僕の性格はというと、自分ではとてもシャイだと思います。ただちょっと極端なところがあって、スイッチが入ると止まらないくらい喋っちゃったり踊っちゃったりとか。最近｢レオナは電話長いよ｣と何人かの友達にダメ出しされちゃって(笑) ただ、普通に相手のことを理解したいし、僕のことも知って欲しいという気持ちはあるんだと思います。みんな自分の好きなことや、信じていることや、自分なりの真実があって、それをシェアしたいという欲求は誰でも持っていると思いますから、そういう事は結構みんな話してくれるんですよね。自分の信じている事を他の人も信じてくれたらいいなと思うのが人間だと思いますから。もちろん個人個人信じているものは違うし、僕自身にも偏見や特定の人や物事に対する説明出来ない特別な感情はあります。ただ自分と他人とは違うんだっていうことを認識し受け入れた上で、もう一度人と向き合おうとしているといいましょうか。頭で分かっていても大変なことですけどね。もしかしたら、自分とそれを取巻く世の中の両方をちゃんと理解したいというのが根底にあるのかもしれません。

Hitspaper：I think that is a good point that communication process itself becomes art. So, do you like to communicate with people?
Reona Ueda：That is a good question. But it is difficult to answer. Please write "I love it!" (laughs). Well, I think I am very shy. But sometimes I go a bit overboard, so I talk or dance non-stop if I get very excited. Recently some of my friends were joking about my long phone calls (laughs). But like everyone, I want to understand people I communicate with and want them to know about myself. Everyone has her/his own favorite things, beliefs, and truths, and everyone wants to share them, so many people are happy to talk about these things. Because I think people wish others to believe what they believe. Of course, each person believes in different things, and I, too, have prejudices and unexplainable special feelings towards certain people and things. But after recognizing and accepting differences between myself and other people, I am trying to confront them again. It is very easy to say, but hard to do. Perhaps I am interested in understanding myself and the world that surrounds me.



"0 - What You Believe #1" Michael Mueller, 2007 (c)michael mueller
photography by Reona Ueda



Hitspaper：それでは具体的に、番号の｢0｣にあたる、｢What You Believe｣｢Sweet Memories｣｢Self Portrait｣という３つの作品について解説をしていただけますか？
Reona Ueda：このシリーズ｢0｣は、多様な価値観同士に繋がりを持たせその中に共感可能性を探る、というプロジェクトのメインになるアイディアの１つを体現させる目的で作りました。ひとつひとつ見て行きましょう。まず｢What You Believe｣ですが、これはニューヨークの街角の人々に｢What do you believe?｣つまり｢何を信じていますか？｣という質問をするというシンプルなものです。質問の答えは紙に書いてもらって、それが彼ら自身のアートワークとなります。ここで前提としているのは、個人が信じているものなり真実なりを特定の媒体に落とし込み、その価値を歴史を踏まえて文脈化したものがファインアート作品であるという考え方です。そうして全部で100人、100通りのbeliefsを集めました。本当に色んな人達に参加をお願いしましたけど、個人のアイデンティティに関わる質問だからなのか結構みんな協力的で、真剣に答えてくれた人が多かったし面白かったですよ。僕と一番答えが近いと思ったのは恐らくホームレスであろうおじさんでした。あと30分以上話が止まらないお婆さんもいましたね(笑)

Hitspaper：Could you explain to us about the three pieces entitled number "0" - "What You Believe", "Sweet Memories", and "Self Portrait"?
Reona Ueda：I initiated this series called "0" to embody one of the main ideas of the project - making connections between various senses of values and seeking sharable factors in them. Let's take a look at them one by one. First, "What You Believe". This is a simple piece in which I asked one hundred people on the streets of New York the same question "What do you believe?". I let them put their answers on papers, which became their own artworks. The idea I am using here is that fine artwork is made by fixing each person's belief or truth in specific media, and contextualizing its value in history. That way I collected one hundred personal beliefs. I asked all sorts of people to participate, and many of them were pretty cooperative and answered sincerely, maybe because the question was related to their own identities. So it was fun. The answer similar to mine was given by an old, apparently homeless person. And there was an old lady who never stopped talking (laughs).



"0 - Sweet Memories" Partizan Publik. Susan Crile. Dirk-Jan Visser. Studio Beirut, 2007
(c)partizan publik. susan crile. dirk-jan visser. studio beirut
photography by Dirk-Jan Visser
www.partizanpublik.nl
www.dirkjanvisser.com
www.studiobeirut.org



次に｢Sweet Memories｣ですが、これはChristian ErnstenとJoost Janmaatがアムステルダムを拠点に運営するシンク/アクションタンクPartizan Publikの作品で、彼らがレバノンのベイルートで行ったプロジェクトがベースになっています。Christian Ernstenは、Archisという出版社、Rem KoolhaasとThe Office for Metropolitan Architecture (OMA)が設立した建築リサーチ機関AMO、コロンビア大学の建築リサーチラボであるC-Labが共同で出版している、｢Volume｣という雑誌の編集者/リサーチャーでもあります。ベイルートといえば人々の宗教的バックグラウンドがバラバラで、戦争や紛争が絶えなかったという特殊な場所です。だから異なる宗教グループの人々皆が共有出来る公式な歴史というものが無く、実際レバノン国営美術館でさえ中近世以降の歴史を取り扱っていませんでした。そこで彼らは新たに自分達の手で近代史のコーナーを作る事を思い立ったんです。そしてベイルートに住む人々に、ある程度の間住んだ街だったら誰もが持っているであろう思い出の場所についてインタビューを行いました。例えば子供の頃に独り遊園地で遊んだ記憶とか、男女の甘い思い出の場所であったりだとか様々です。彼らはそんな数々の思い出を、｢Heroism｣｢Escape｣｢Childhood｣｢Encounters｣｢Romance｣という５つのカテゴリーに分けて、それぞれのカテゴリーを象徴するマークをデザインし、そのマークを街に散在する思い出の場所達にタギングしたんです。美術館では観覧者が街の人々の思い出のストーリーを読む事が出来て、外に出ればマークを頼りに思い出が散らばった街を巡る事が出来るという。みんなの私的な思い出をシェアして、それらを手掛かりに共通の歴史を想像出来ないか、というアイディアですね。彼らの柔軟な発想には驚かされました。それにとてもロマンチックですよね。

The next one is "Sweet Memories". This piece was done by an Amsterdam-based think/action tank Partizan Publik led by Christian Ernsten and Joost Janmaat. Christian is also an editor/researcher of a magazine for architecture, city and visual culture, Volume. The magazine is a project by a Dutch publisher Archis, a research office AMO founded by Rem Koolhaas and the Office for Metropolitan Architecture (OMA), and an architectural research unit C-Lab at Columbia University. "Sweet Memories" is based on the project that Partizan Publik did in Beirut, Lebanon. Beirut is one of the most religiously diverse cities and has suffered throughout the prolonged civil war. Therefore there was no official history that different religious groups could share, and the National Museum of Beirut had no items after Mamluk era to show. That is why Partizan Publik decided to make a section in the museum dedicated to the modern history of Beirut. What they did was interviewing various people in the city about the places that hold their fond memories, places which anyone living in a city for some time would have. For example, a memory from childhood of playing alone at an amusement park, a sweet memory of a romantic encounter, and so forth. And they categorized the memories into five groups: "Heroism", "Escape", "Childhood", "Encounters", and "Romance", designed icons that refer to these categories, and "tagged" them at the places of memories scattered around the city. Audiences can read the stories of people's memories at the museum, and they can also explore the city in search of the scattered memories. The basic idea is to share intimate memories in hopes of creating a common history. I was astonished by their eclectic sensibilities and ideas. And it is very romantic, isn't it?



"0 - Self Portrait" Reona Ueda, 2008 (c)reona ueda



最後は｢Self Portrait｣です。これはマンハッタンのユニオンスクウェアという広場にあるジョージワシントンの銅像の前に僕自身が立っている様子を俯瞰で撮影した写真の作品です。非常に多様な民族が住むニューヨークという街では、住む人々の歴史的/文化的背景も様々なわけですから、ワシントンの銅像のシンボリックな意味合いも個々の文脈によって変化する。そのシンボルに関係性を見出せない人達も居るでしょう。そこで日本人である僕がアメリカという国を象徴するアイコンと向き合っている様子と、それを取り巻く多数のアイデンティティを一枚の写真の中で見せる事で、このプロジェクトが題材にしている｢グローバル化の中のアイデンティティ｣｢多様化/個性化する社会の中で共通項を見出す事への希望と難しさ｣を表そうと試みました。又この作品には、｢僕自身｣と｢それを包含及び識別(identify)する社会｣との関係性を表す、という僕の立場表明という意味合いもあります。これら３つの作品を僕を含む５組の参加者達に渡して、そこからそれぞれ新たに制作してもらったのが｢26｣から｢30｣までの５つの作品です。

And the last piece is my "Self Portrait". It is a photograph of myself standing in front of the statue of George Washington in Union Square in Manhattan. In New York with its diverse ethnic groups from various historical/cultural backgrounds, the symbolic meanings of the statue shift depending on every individual context. And there also may be people who cannot relate to the symbol at all. I attempted to portray one of the themes of this project "identities in globalization; hopes and difficulties to find commonalities in a diversified and individualized society" by showing how I am facing the icon that symbolizes the United States and the multiple identities surrounding it in a single picture. This piece also connotes a statement that I express myself in relation to the society that contains and identifies the self. I gave these three "0" works to five participants including myself, and asked them to produce new pieces, which are "26 - 30".



"27 - Frequently Occurring American Surnames - Top 1000"
Catalogtree: Daniel Gross & Joris Maltha, 2008 (c)catalogtree
www.catalogtree.net



"29 - Untitled (Yearbook)" Andrew Weinstein, 2008 (c)andrew weinstein



"30" Reona Ueda, 2008 (c)reona ueda


Hitspaper：これからもずっとこのプロジェクトを続けていくことをお考えでしょうか？
Reona Ueda：まだ20代ですからあまり先のことは想像付かないですけどね(笑) いや実際このプロジェクト１つ取ってみても、最終的に何処へ連れて行ってくれるのか、僕自身想像付かないしそれが楽しみなんです。ただ僕がここでやっているのは人と人同士の対話の記録ですから、これからはそのプロセスからどのような発見が出来るか見極める力が大事になってくるんだと思います。繰り返しになってしまいますが、アートワークからはその人が培ってきたものや、信じてきたものが見えてしまうわけで、その価値を評価するのは非常に難しい。価値は相対的なものだと思いますから。だからこそプロセスを大事にしていかなければならないと思います。コミュニケーションが成立しないことも、互いに理解できないことも、ケンカになることもあると思います。でもお互いの違いを受け入れるところから先は見えてくると思うんです。だから諦めずに対話を続けて行く事が凄く大事なんですね。僕はこの方法でアートの新しい領域に辿り着ければと思っているんです。

Richard Sennettという社会学者が｢Respect in a World of Inequality｣という本の中で、短期的利益を追求しがちな西洋型資本主義と個人主義の影響で、人々が不平等性を余計に痛みと感じてしまう現代社会において、ひ弱で流動的になってしまった人々の関係性を再び豊かに結びつける為には、mutual respect(相互尊重)が重要だと書いています。又そのmutual respectを養うのに必要であるself-respect(自尊心)とautonomy(自律性)を個人が獲得するためには、アートと人類学が有効な役割を果たしうるという事も言っている。自分には相手の事が理解出来ないという事を受容する、両者が不平等性そのものを受け入れる。つまりはお互いの違いを認め合った上で長期的に対話を続けることが、｢対等な関係性｣と彼の言う｢社会的な価値だけではない何か｣を築くことに繋がるという話です。本当はたった1人の人を理解するのでさえ長い時間が掛かることですよね。ですからこのプロジェクトも長く続けてこそ意味があるのだと思います。もっと広めていきたいですし、長期的な視野を持って続けていければと思っています。

Hitspaper：Do you intend to make it a long-term project?
Reona Ueda：I cannot predict what the future will bring and I am still in my 20s (laughs). I cannot even imagine where this project will lead us, which is actually even more exciting. I am recording the forming relationships and communication between individuals, so now the ability to discern what we could possibly discover from the processes starts to play an important role. Again, artwork reflects the author and her/his beliefs, and it is extremely difficult to evaluate that. Because values are relative. That is why I think we need to pay more attention to processes. In many situations communication does not succeed, we cannot understand each other, and this results in misunderstanding or disagreement. But hopefully we could overcome this inequality by accepting differences between one and another. That is why it is very important to keep communicating. I want this approach to lead us to a new realm of art.

The sociologist Rechard Sennett wrote in his book "Respect in a World of Inequality" that mutual respect is key to fertilize and connect the spineless fragile relationships in the contemporary societies, where people tend to perceive inequality as pain. He also said that art and anthropology are useful tools for an individual to acquire self-respect and autonomy, and these are important for the cultivation of mutual respect. To achieve this aim, we need to accept that one cannot fully understand the other and embrace this inequality. Accepting inevitable differences between us and maintaing a dialogue in spite of them will lead us in the long run to equal relationships and what Sennett calls "something of not just social value". To understand a person requires a considerable amount of time, doesn't it? So I think this work will be more meaningful if it is continued for a long period. I would like to expand it and carry it on as a long-term project.





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ファインアーティスト上田玲音奈さんは、文中でも触れたように人間のコミニケーションをアートという媒介を通じて、作品にし、その発表から社会に真実を提言しようと試みる生粋のアーティストです。

ここ3年〜5年(もう少しかかるでしょうか)で資本主義は新たな局面を迎え、更に数年後、新しい形の経済システムが構築されるであろう中、彼がステイトメントとして発する作品は、次世代の大事な価値観を創出する大きなヒントが隠されているように思えます。その根底には、人間を紐解くというオブジェクションもあるでしょう。人生や人間そのもの自体が実は素敵な作品なのかもしれません。

HITSPAPERでは今後も上田玲音奈さんの周りで、大きな渦となって人を巻き込んでいくそんなプラットフォームの研究していきたいと思います。

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